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Lee Varis


 

Ansel Easton Adams (1902 – 1984) è stato un fotografo statunitense e ambientalista meglio noto per le sue fotografie di paesaggi in bianco e nero del West americano, soprattutto dello Yosemite National Park.
Con Fred Archer, Adams ha sviluppato il sistema delle zone, un modo per determinare l'esposizione corretta e regolare il contrasto di stampa finale.

Chiarezza e profondità hanno caratterizzato le sue fotografie e il lavoro di coloro ai quali ha insegnato il sistema. Adams ha utilizzato principalmente fotocamere di grande formato nonostante la loro dimensione, peso, tempo di installazione e costo del film, perché la loro alta risoluzione gli garantiva una miglior nitidezza delle immagini.

 

 

 

 

 

 

 

 

 



 

 

 

 

 

 

Sullo stesso argomento consulta:

Tecnica fotografica: le Zone di Adams - di Diana Eftaiha

 

Il sistema delle zone nella fotografia digitale
di Lee Varis

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Sistema zonale e gamma dinamica
Il sistema delle zone nel digitale è legato alla gamma dinamica del sensori delle fotocamere. Per utilizzare questo sistema a zone è fondamentale conoscere la gamma dinamica della fotocamera che usiamo, per capire quali sono i valori massimi in cui il dettaglio è ancora leggibile.
La gamma dinamica di una fotocamera digitale di solito ha un range di circa 5/6 stop, un po' di più se si lavora in RAW, quindi nella fotografia digitale la scala tonale di Adams è limitata ai gradi di gamma dinamica della fotocamera, oltre la quale non si può andare, se non si vuole riscontrare un forte aumento del rumore digitale per le zone in ombra o l’impossibilità di recupero dei dettagli nelle alte luci.

Questo sistema permette di realizzare scatti ben esposti, senza perdite di particolari, ottenendo un buon originale che potrà essere ulteriormente migliorato in post-produzione.
Per ottenere un’immagine in bianco e nero digitale si possono scegliere diversi metodi di conversione quindi una volta scelto quello più congeniale è necessario dosare i toni di grigio con la luminosità e il contrasto, affinché ogni dettaglio sia leggibile.
Per farlo si può utilizzare anche Photoshop che, con lo Strumento Curve, permette di interpretare e variare l’intensità delle Zone: col contagocce, portato sull’immagine, si seleziona il punto corrispondente sulla linea che divide il reticolato: trascinandolo schiarirà o scurirà la zona interessata.

 

phhotoshop zone di adamsIl reticolo dello strumento curve (immagine qui sopra - per ingrandirla cliccare) di solito è diviso in quarti, se si vuole una scala divisa in decimi, simila a quella di Adams, basta fare clik tenendo premuto il tasto alt.
Con Photoshop il sistema zonale viene diviso con una scala numerica che va da 0 a 255, con 0 che corrisponde al nero assoluto e 255 al bianco puro.

 

 

 

 



 

 

 



 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

In fotografia, la regola Sunny 16 (nota anche come la regola del sole f/16) è un metodo per stimare la corretta esposizione diurna senza un misuratore di luce. (Per la fotografia lunare c'è una regola simile conosciuta come la regola 11 Looney). A parte l'ovvio vantaggio di indipendenza da un esposimetro, la regola Sunny 16 può anche aiutare a realizzare la corretta esposizione di soggetti difficili.
La regola è basata sulla luce incidente, piuttosto che su quella riflessa, tenendo conto del fatto che la maggior parte degli esposimetri delle fotocamere, compensano i soggetti molto chiari o molto scuri.
La regola serve per memorizzare le impostazioni ideali della fotocamera in pieno sole usando il sistema di esposizione (EV).
La regola di base dice: "In un giorno di sole impostate il diaframma a f/16 e la velocità dell'otturatore con il numero più vicino al valore ISO".
Per esempio:
In una giornata di sole e con ISO 100 si imposta il diaframma a f/16 e l'otturatore velocità a 1/100 o 1/125 di secondo (su alcune fotocamere 1/125 è l'impostazione disponibile più vicina a 1/100 di secondo).
Su una giornata di sole con ISO 200, impostare il diaframma a f/16 e l'otturazione a 1/200 o 1/250.
Su una giornata di sole con ISO 400 il diaframma sarà a f/16 e la velocità dell'otturatore a 400/1 o 1/500.

 

 

 

 

 



 

 

 



 

 

 

 

 

 

 

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8 lezioni di Ansel Adams per conoscere la fotografia

 

Ansel Adams è uno dei titani della storia della fotografia. Qualunque fotografo seriamente interessato alla fotografia di paesaggio ha studiato e assimilato il suo lavoro.
Ciò che più attira nelle sue opere è il minimalismo, lo zen e il senso di calma delle sue fotografie.
Adams non si limitava a "scattare" fotografie, ma a "creare" le sue fotografie, attraverso le elaborazioni in camera oscura.

 



Anche se non sei un fotografo di paesaggi, gli studi di Adams possono aiutarti in tutti i generi di fotografia e anche nella vita.

 

1. "Non scatti una fotografia, la fai"

 

Ansel Adams è famoso per il suo "sistema delle zone”, un metodo per rendere perfetta la stampa monocromatica.
Cosiderava la fotografia come una forma d'arte. Fare clic sull'otturatore non era sufficiente per creare un'immagine. Doveva anche passare del tempo nella camera oscura, per dare vita a ciò che vedeva e sentiva nella vita reale, cercando di realizzare la stampa perfetta.



Il pensiero di Adams vale anche per la fotografia digitale: il clic dell'otturatore non è sufficiente.
Abbiamo bisogno di utilizzare tecniche di post-elaborazione per creare estetica, ambiente, stile ed emozione nelle nostre fotografie.
Ma attenzione: molti fotografi moderni trascorrono troppo tempo nella camera oscura digitale cercando di trasformare scatti scadenti in opere d'arte. Per quanto sia buona la loro tecnica di post produzione, però, se uno scatto non è buono, non si può migliorare più di tanto.
Un'altra idea sbagliata di alcuni fotografi (soprattutto i principianti) è che la post-elaborazione produca immagini ingannevoli.
Il primo passo importante è avere un’idea delle foto che si vuole realizzare: così è importante provare a pre-visualizzare le foto prima di scattare.

 

2. Sapere dove stare

 

"Una buona fotografia è: sapere dove stare". - Ansel Adams

Nella fotografia di paesaggio, la posizione è tutto. La tua posizione rispetto al paesaggio, determinerà la prospettiva, l'umore della fotografia, così come la composizione.
Alcuni dei più noti fotografi di paesaggi si sobbarcano lunghe camminate con 25 chili di attrezzatura, solo per ottenere la migliore posizione. Utilizzano obiettivi grandangolari e si avventurano in luoghi in cui nessun altro osa andare.
Questo vale anche per qualsiasi altra forma di fotografia.

 



Nella fotografia di strada, secondo David Hurn dell'agenzia Magnum, sono importanti due cose:

1 Dove stare
2 Quando scattare

Quindi quando stai fotografando non essere pigro. Basta spostarsi anche solo di un passo per ottenere l'inquadratura migliore.
Muovendo i piedi e ottenendo una posizione migliore, si possono creare immagini uniche e creative.
Non solo, provate ad abbassarvi o cercate di avere prospettive più alte. Un punto di vista alternativo, non usuale e scontato, fa la differenza.

 

3. Fotografa una scena come la percepisci (non come appare)


Come fotografi, dimentichiamo che l'arte non è ciò che si vede, ma è l'emozione che si evoca nello spettatore.
Nella fotografia, è facile dimenticare questo punto. Perché? La fotocamera è la forma più descrittiva di creazione di immagini.
Tuttavia, se vogliamo realizzare immagini più efficaci, dovremmo concentrarci sul fotografare come si percepisce una scena, non come appare.
Ansel Adams, ad esempio, racconta perché ha deciso di fotografare la sua famosa immagine "Moonrise, Hernandez, New Mexico" scattata con un cielo estremamente scuro:



"Questa immagine propone l'emozione e la sensazione che l'esperienza di vedere il vero sorgere del sole ha creato in me, ma non è affatto realistica. Facendo semplicemente clic sulla fotocamera e facendo una semplice stampa dal negativo, si sarebbe creata una fotografia completamente diversa e ordinaria.
La gente, pensando esattamente in termini letterali, mi ha chiesto perché il cielo è così buio. Ma il cielo scuro è così scuro perchè io lo percepivo così."


Quando si tratta della tua fotografia, che tipo di emozioni stai cercando di evocare in chi ti guarda?
Con le tue foto stai cercando di mostrare bellezza, tristezza, malinconia, eccitazione o tristezza?
Come ti fanno sentire le tue foto? Che tipo di sentimento vuoi suscitare nel tuo spettatore?
Possiamo creare una certa emozione o un determinato sentimento nelle nostre foto con metodi e tecniche differenti. Se stiamo fotografando paesaggi, dovremmo cercare la luce, la nebbia, il fumo, la foschia o altre particolarità naturali. Così il modo in cui post-elaboriamo le nostre foto potrà esaltare drammaticamente l'emozione.
Se stai fotografando persone o nelle strade, cerca il linguaggio del corpo, il contatto visivo o i gesti delle mani.
Infine, scatta con il tuo cuore. Non pensare solo alla composizione e all'inquadratura quando sei fuori per le strade. Fotografa con le tue emozioni e la tua anima. In questo modo, sarai in grado di comunicare meglio i tuoi sentimenti attraverso le tue fotografie.

 



 

4. Pre-visualizzare le tue foto

 

Ansel Adams cercava sempre di pre-visualizzare le sue foto. Non solo guardava cosa aveva di fronte, ma cercava di pre-visualizzare la foto finale:
"Nella mia mente, sto visualizzando come una particolare rivelazione di vista e sentimento apparirà su una stampa. Se ti guardo, posso continuare a vederti come persona, ma ho anche l'abitudine di passare da quella presenza coscientemente dimensionale a una fotografia, mettendoti in relazione con l'ambiente circostante con un'immagine nella mia mente. Se quello che vedo nella mia mente mi stimola, c'è una buona possibilità che faccia una buona fotografia. È un senso intuitivo e anche un'abilità che deriva da molta pratica. Alcune persone non riescono mai a capirlo."

Un'esperienza che abbiamo vissuto, soprattutto quando abbiamo iniziato a fotografare: vediamo una scena che ci piace e facciamo clic sull'otturatore. Guardiamo il nostro schermo LCD e siamo enormemente delusi. Quello che abbiamo visto sul nostro schermo LCD non corrisponde a quello che abbiamo visto nella vita reale.
Diventare un fotografo migliore significa tradurre meglio ciò che si vede nella vita reale e farlo apparire in una fotografia.
Questo avviene migliorando la composizione, comprendendo le impostazioni tecniche, conoscendo la fotocamera e sapendo anche dove e come piazzarsi, quando fare clic e come post-elaborare le foto.
L'intuizione nella fotografia arriva con molta pratica. Più immagini si riprendono, più foto si analizzano, più pareri si ricevono, più si interiorizzerà la pre-visualizzazione e si scoprirà come si desidera che le immagini finali siano visualizzate e percepite.

 


5. Ignora i critici


Persino Ansel Adams aveva critici e denigratori. Maggiore è il successo, maggiori sono invidia e critiche negative da parte degli altri.
Come ha affrontato Adams i suoi critici? Li ha semplicemente ignorati:
"I critici non si sentono mai a proprio agio con tutto ciò che succede. Alcune persone hanno detto che sono solo un fotografo da cartolina. Non mi preoccupo neanche di rispondere.
Altri si sono buttati completamente dall'altra parte e hanno dato ogni sorta di interpretazioni mistiche al mio lavoro. Ci sono pochissimi critici che hanno capito le mie immagini, valutandole in modo equo".


Adams continua spiegando come i critici possono essere superficiali e magari ridicoli:
"Di regola, i critici non arrivano al fondo di nulla; sono superficiali. Non importa. I critici d'arte, per la maggior parte, sono una specie di gruppo ridicolo. In generale, suppongo di essere rispettato dalla critica e dagli altri fotografi, ma a quanto pare infastidisco molti giovani. È perfettamente naturale che si oppongano alle mie idee sulla fotografia che considerano conservatrici".

Non importa, non puoi mai soddisfare il 100% del tuo pubblico. In effetti, penso che diventare un grande artista non comprometta la tua visione. Più sei innovativo nella tua fotografia, più persone confonderai destabilizzando le loro percezioni.
Se inizi a ricevere critiche negative da altri, consideralo come un segno di successo. Dopotutto, se non sei nessuno, nessuno criticherà mai il tuo lavoro (nemmeno tua madre).

 

6. Sulla tecnologia e la fotografia


E' particolarmente interessante la visione di Adams sul futuro della fotografia.
Al giorno d'oggi molti romanticizzano il passato della fotografia, magari rimpiangono le tecniche più vecchie, le riprese analogiche e la stampa in camera oscura.
Tuttavia Ansel Adams (il maestro della stampa in camera oscura) era entusiasta delle future tecnologie digitali. Ha spiegato la sua visione della fotografia digitale e di come avrebbe migliorato le immagini:
"La fotografia elettronica sarà presto superiore a tutto ciò che abbiamo ora. Il primo passo sarà l'esplorazione dei negativi esistenti. Credo che i processi elettronici li miglioreranno. Potrei ottenere stampe superiori dai miei negativi usando l'elettronica. Poi verrà il momento in cui sarai in grado di realizzare elettronicamente l'intera fotografia. Con la risoluzione estremamente elevata e l'enorme controllo che puoi ottenere dall'elettronica, i risultati saranno fantastici. Vorrei essere di nuovo giovane!"

E certo che se Adams fosse oggi, avrebbe usato la migliore tecnologia possibile:
"Per me il futuro dell'immagine sarà l'elettronica. Vedrai immagini perfettamente belle su uno schermo elettronico. Penso che saranno molto belle, come le migliori riproduzioni. "

Al giorno d'oggi abbiamo accesso a straordinarie tecnologie digitali che possono aiutarci a creare il tipo di immagine che vogliamo. Abbiamo potenti computer, meravigliosi software di post produzione, smartphone e fotocamere multifunzionali.
Inoltre possiamo condividere facilmente le nostre foto con milioni (o anche miliardi) di persone in tutto il mondo.


 

7. Sulla musica e la fotografia

 

Una delle caratteristiche più interessanti di Adams è la sua affinità con la musica. Inizialmente il suo obiettivo nella vita era di diventare un pianista classico.
Così Adams spiegò come si è interessato per la prima volta alla fotografia:
"Nel 1930 ero a Taos e Paul Strand mi ha mostrato i suoi negativi. Erano così splendidi e soddisfacenti per le mie esigenze, così ho pensato subito: voglio essere un fotografo. Alcuni amici dissero: Oh, non mollare la musica. Una macchina fotografica non può esprimere l'anima umana. L'unico argomento che avevo è che forse la fotocamera non poteva, ma io avrei potuto provarci attraverso di essa."

Nonostante il feedback negativo dei suoi amici, decise di dedicarsi alla fotografia.
Inoltre, studiare musica gli ha insegnato disciplina per la sua fotografia:
"Comunque, ha funzionato. Mi sembrava di avere occhio e tutto è andato liscio. Non ho avuto problemi, ho progredito. Lo studio della musica mi ha dato una buona base per la disciplina della fotografia. Quindi, prima che me ne accorgessi, avevo fatto dei lavori e ho iniziato a guadagnare. Ed eccomi qui.
Nella musica hai questa disciplina assolutamente necessaria fin dall'inizio. Le tue note devono essere accurate, altrimenti è inutile suonare. Non c'è un'approssimazione casuale."


La vita spesso richiede svolte inaspettate quindi è importante portare le nostre passate esperienze, passioni e hobby combinandole con la nostra fotografia.
Questa è l'impollinazione incrociata, cioè utilizzare due diversi campi dell'arte, combinandoli, creando qualcosa di assolutamente unico.
Questo è ciò che ha fatto Ansel Adams, e questo è ciò che possiamo fare anche noi.




8. Fai foto come foto

 

Alcuni fotografi cercano di far sembrare le loro foto dei dipinti. Anche in passato usavano la luce soffusa e le carte ruvide. Uno stile chiamato "Pittorialismo".
Ansel Adams e il "gruppo f / 64" si ribellarono a questa moda.
Ecco come spiegarono quale fosse la missione del "gruppo f / 64" e quanto fosse rivoluzionaria:
"Era la devozione per la stampa rettilinea, le superfici di carta senza trame che sarebbe entrata in conflitto con la texture dell'immagine. Era una credenza nella nitidezza in tutta la fotografia. Buon mestiere, in altre parole, F / 64 offre grande profondità di campo e nitidezza. Era la concentrazione su immagini che non erano né sentimentali né allegoriche".

Adams continua condividendo come la filosofia di lavoro del "gruppo f / 64" sia stata l'anti-pittorialismo:
"È stata una reazione, una forte reazione contro i pittorialisti, che stavano lavorando a testa bassa per fare in modo che una fotografia assomigliasse a tutto tranne che a una fotografia. Nel tentativo di essere creativi, stavano ritoccando le immagini creando roba orribile! Erano quelli che Weston chiamava i fuzzy-wuzzies. Uscivano in strada e trovavano un vecchio vagabondo con una barba arruffata, gli davano una tavoletta di Braille, dicendogli di far finta di usarla. Lo sistemavano su una vecchia sedia, alzando lo sguardo attraverso una nuvola di fumo di sigaretta che era illuminata da un riflettore. Il titolo poteva essere Mine Eyes Have Seen the Glory. Questo è stato fatto mille volte. C'erano anche nudi viscidi. Quelle fotografie erano orribilmente artificiose, opere superficiali, stati d'animo terribili, solo cose terribili che mancavano completamente di intensità creativa, la cosa per cui eravamo così STIMOLATI."

Quello che Ansel Adams e il suo gruppo hanno cercato di ottenere è stato creare foto che assomigliassero a foto. Foto senza espedienti. Quelle che chiamavano immagini "diritte": foto che erano semplici.
Usavano lenti affilate, invece di lenti soft-focus. Potevano schiarire o scurire le loro foto (aumentando il contrasto o la luminosità in certe aree) ma non tanto da rendere l'immagine troppo "sognante".




Uno dei grandi lasciti del gruppo f / 64 e di Ansel Adams è che hanno nobilitato la fotografia.
Prima di loro la fotografia non era vista come una "vera" forma d'arte, condizione che era riservata solo ai pittori.
Quando i fotografi hanno iniziato, volevano che le loro immagini fossero recepite come "arte" e quindi hanno cercato di far sembrare le loro foto dei dipinti.
Per fortuna viviamo in un'epoca in cui la fotografia è (finalmente) accettata come arte "vera" (almeno dalla maggior parte dei circoli artistici). Abbiamo musei, gallerie e scuole dedicate alla fotografia.
Non bisogna fare analogie tra la fotografia e le altre arti, oppure asserire che è "superiore" o "inferiore" rispetto ad altre forme espressive. La fotografia è quello che è, cioè una propria forma espressiva.

 

 



 

 

 

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